jueves, 20 de octubre de 2016

SITGES 2016 - Día 9


Este es el último post con las reseñas de las tres últimas películas vistas en el Festival de Sitges. A partir de la próxima semana, el blog recuperará la rutina habitual, es decir, la publicación del recopilatorio semanal de noticias.


“Arrival” (2016) - Denis Villeneuve

Sinopsis oficial: Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares contratan a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Conforme la mujer aprende a comunicarse con los extraterrestres, comienza también a experimentar flashbacks extremadamente realistas que llegarán a ser la clave que dará significado a la verdadera razón y gran misterio de esta visita extraterrestre...

Comentario: el nuevo trabajo del aclamado Villeneuve (Prisoners, Sicario), podría inscribirse en la subtemática de las invasiones alienígenas, aunque de un modo un tanto peculiar. Cierto es que las naves extraterrestes llegan en manada y a distintos puntos de nuestro planeta; y que son inmensamente grandes y también tecnológicamente más avanzadas. Pero su llegada a nuestro planeta es de lo más sigilosa. Y tal como llegan, se quedan plantados, a la espera de iniciar contacto con la raza humana, cosa que no tardará en suceder. Pero hay un problema… ¿cómo comunicarse con estos seres de otro mundo? , ¿Cómo saber si vienen en son de paz? A lo largo de la película observamos todo el proceso de aprendizaje entre humanos y alienígenas, tratando de comunicarse mutuamente, entendiendo unos el lenguaje de los otros. Por supuesto, mientras que nuestra protagonista y su equipo de especialistas tienen intenciones pacíficas para con los recién llegados, hay otros que prefieren atacar primero y preguntar después.  

La película expone, nuevamente, lo que ya sabíamos: que los humanos tememos todo aquello que no entendemos. Lo desconocido, más que curiosidad, nos causa pavor. El contacto con seres de otro planeta, tecnológicamente más avanzados, supone para nosotros una amenaza, pese a que no lleguen “pegando tiros”, que es lo que seguramente haríamos nosotros de poder viajar por el espacio. Y si no, que se lo digan a todas esas civilizaciones conquistadas a la fuerza que figuran en los libros de historia.  

Esa carrera a contrarreloj para tratar de establecer contacto con los extraterrestres y aclarar sus intenciones es, sin duda, lo mejor de la cinta. Pero a la trama se le añade un componente dramático que será de vital importancia en su desenlace. Ese componente es lo que hará que muchos adoren todavía más la película, pero que a mi me resultó de lo más flojo. O dicho de otro modo, no me caló como debería. Así pues, queda una cinta de ciencia-ficción interesante y diferente, pero ni mucho menos un peliculón o la mejor del año (tampoco sabría decir cuál lo es).


“The Monster” (2016) - Bryan Bertino

Sinopsis oficial: Kathy y su hija Lizzy se extravían en el bosque, quedando atrapadas en medio de una tormenta colosal. Por si esto fuera poco, son acechadas por una criatura terrible, que no es humana ni animal. 

Comentario: el último trabajo de Bertino (The Strangers) es una monster movie al uso a la que, en un intento de no resultar demasiado superficial, se le añade unos toques de drama familiar con una pareja protagonista, madre e hija, bastante disfuncional, siendo la madre una alcohólica y la hija la que deba cuidar de ella. 

La pequeña, harta de hacer de niñera de un adulto, insta a su madre a que la lleve junto a su padre. Por desgracia, durante el camino sufren un accidente, y se quedan tiradas en una carretera en medio de ninguna parte y bajo una lluvia torrencial. Un escenario perfecto para que un bichejo salido de vete tú a saber dónde inicie su particular cacería.

Lo cierto es que la relación madre e hija, que debería ser un punto extra en la trama, al final acaba ralentizando sobremanera la narración. Bertino estira demasiado los diálogos, y mete todos los flashbacks que puede, lo que hace que se resienta enormemente la supuesta tensión que debería transcurrir en el interior del coche.  

Mucha lluvia, mucha discusión entre ambas (cuesta discernir cuál de las dos se torna más insoportable), y alguna aparición fugaz del monstruo, que anda al acecho constante. 

Está muy bien insinuar en vez de mostrar, pero cuando llevas hora y media de película sin que ocurra gran cosa, al final te apoltronas en la butaca. Y cuando al final aparece el monstruo en todo su esplendor, el bajón no puede ser mayor. Que sí, que los muñecos y los animatronics nos gustan mucho, pero el monstruito de Bertino es muy casposo, y de diseño poco imaginativo. Si a eso le sumamos que apenas le saca partido el perfecto escenario que tiene entre manos para crear algo de angustia al espectador, lo que al final nos queda es una cinta de terror bastante ramplona y de la que sólo se salvarían los últimos 10-15 minutos.

Otro aspecto que impide implicarse en la historia, aunque esto ya es una apreciación muy personal, es la elección de Zoe Kazan como madre, cuando más bien parece la hermana mayor.


“Headshot” (2016) - Kimo Stamboel & Timo Tjahjanto

Sinopsis oficial: Un hombre despierta en un hospital, incapaz de recordar quién es. Poco a poco y con la ayuda de una doctora, se va recuperando. Sin embargo, su pasado no tarda en alcanzarle, cuando un capo de la droga secuestra a la médica. El desmemoriado Ishmael deberá enfrentarse a una banda de luchadores que, quizá, fueron también sus compañeros. 

Comentario: aunque algunos ya conocíamos a Iko Uwais de su primera colaboración con el director Gareth Evans en “Merantau”, no fue hasta la llegada de “The Raid” cuando el indonesio empezó a llamar a la atención del respetado. Su devastador dominio de las artes marciales en las dos películas de la saga le han hecho ganarse un buen puñado de fans, y erigirse como el nuevo reparte hostias de moda, destronando así a un Tony Jaa en horas bajas. 

A la espera de que nos llegue la tercera entrega de la franquicia, y de que Hollywood le ofrezca algo más que un miserable e insignificante “cameo” en “Star Wars. Episode VII: The Force Awakens”, los productores de las dos de Raid nos traen “Headshot”, otra película de acción para lucimiento de Uwais.

Por desgracia, los directores Stamboel y Tjahjanto están muy lejos del dominio de la cámara que tiene Evans, y aquí las coreografías, si bien atractivas, no están tan elaboradas. Ni las coreografías ni las secuencias de acción, que en líneas generales son bastante vulgares y se resumen en “pegar tiros sin ton ni son hasta que alguien caiga muerto”. Y con mucha sangre digital por medio. Ya los disparatados minutos iniciales en la cárcel son una buena muestra de por dónde van  a ir los tiros, y nunca mejor dicho.

En fin, bastante mediocre en conjunto, aunque medianamente salvable gracias a las puntuales escenas de lucha (siendo la mejor no la pelea contra el “final boss”, sino la que supone el reencuentro  con la actriz Julie Stelle).

martes, 18 de octubre de 2016

SITGES 2016 - Día 8



“The Tunnel” (2016) - Kim Seong-Hoon

Sinopsis oficial: Un túnel se derrumba por la mala construcción y un hombre (Ha Jung Woo) queda atrapado en el túnel derrumbado.  

Comentario: si en la edición de 2014 nos presentaba un thriller policiaco, en esta ocasión el cineasta surcoreano se atreve con el cine catastrofista. A pequeña escala, eso sí, ya que se centra más en el drama humano más intimista y no tanto en la espectacularidad del accidente en sí mismo. Tanto es así, que el director se ahorra largos preámbulos para ir directo al meollo de la cuestión, enterrando a su protagonista bajo toneladas de piedra, cemento y escombros. Será a lo largo de la película que se nos vaya revelando la identidad del protagonista a través de los recuerdos de éste (con los ya habituales flashback), y vayamos así conociendo rasgos de su personalidad y detalles sobre su familia.

Pese a lo que pudiera parecer a primera vista, lo cierto es la cinta se mueve a caballo entre la comedia y el drama. Que existan momentos cómicos para aliviar la tensión dramática es algo lógico e incluso agradecido, pero aquí va más allá de momentos puntuales. De hecho, es tan frecuente, que a ratos parece una parodia más que una tragedia. O quizás lo acertado sea considerarla directamente una tragicomedia. En cualquier caso, es precisamente ese humor, a ratos pelín estridente, lo que la hace más llevadera. Las cotas de drama se elevan conforme la historia avanza hacia su desenlace.


“Le Complexe de Frankenstein” (2016) - Gilles Penso & Alexandre Poncet

Sinopsis oficial: Desde sus orígenes a la revolución digital, el cine siempre ha creado monstruos. Le Complexe de Frankenstein es un viaje a lo largo de un siglo de imaginación. Con suculentas entrevistas y con material exclusivo de películas como Gremlins o Parque Jurásico, el documental explora el inquebrantable vínculo entre las criaturas y sus creadores, auténticos doctores Frankenstein del séptimo arte. 

Comentario: un documental imprescindible para los amantes de los efectos especiales. Todo un didáctico repaso a la evolución de los FX desde sus precoces inicios hasta nuestros tiempos. Desde que el cine empezó a crear a sus primeros monstruos, con artistas del maquillaje como Jack Pierce y más tarde sus sucesores (Dick Smith, Rick Baker, Greg Nicotero…), hasta la revolución digital a principios de los 90 con películas como Terminator 2 y Jurassic Park (Dennis Muran entre sus artífices), pasando por los genios del stop motion (Ray Harryhausen) y los animatronics (Stan Winston). Una galería de artistas y cineastas entrevistados para relatarnos de primera mano sus experiencias en este campo, echando mano de anécdotas y documentos gráficos inéditos.

Muchos de estos artesanos, auténticos genios sin los que muchas películas no hubieran sido posibles (y que no siempre fueron suficientemente valorados), comentan su a veces dura relación con la industria, y la exclusión que muchos de ellos sufrieron con la aparición de los primeros efectos generados por computadora. Es evidente que el CGI ha dejado en segundo plano a los efectos prácticos, y algunos artistas han visto cómo los estudios dejaban de contratarles por ese motivo. Pero otros tantos supieron adaptarse a la aparición de las computadoras, y todavía hoy sigue quedando patente que lo mejor y lo que más beneficia una película es la combinación de ambas técnicas. Porque una no excluye a la otra. A menudo se necesita algo tangible, algo con lo que el actor pueda interactuar y que al espectador le resulte creíble en primer plano, aunque sea un simple muñeco de goma y latex; y allí dónde los efectos prácticos no puedan llegar, está el ordenador. Unos cuantos píxels pueden ahorrarte muchos quebraderos de cabeza (y también mucho dinero).


“Don’t Kill It” (2016) – Mike Mendez

Sinopsis oficial: Un viejo demonio aparece en un pequeño pueblo de Alaska dejando un reguero de muerte y destrucción. La única esperanza de supervivencia es un cazador de criaturas diabólicas que se ha enfrentado anteriormente a este terror. Colaborando con un agente del FBI, buscará la forma de destruir al demonio.

Comentario: aunque jamás llegó a alcanzar el estatus de “gran estrella del cine de acción” que sí lograron otros coetáneos como Sylvester Stallone (con quien coincidió por primera vez en Rocky IV) o Arnold Schwarzenegger, Dolph Lundgren se ha ganado un rinconcito en nuestros corazones cinéfilos. Gracias sobre todo a un puñado de papeles en cintas que, quizás no sean memorables clásicos de nuestra infancia, pero a las que tenemos un cariño especial. Véase “Masters del Universo”, “The Punisher” o “Soldado universal”, ésta última quizás una de las pocas películas de Serie A que ha rodado a lo largo de toda su carrera. Y es que, por mal que nos pese, Lundgren ha estado siempre anclado a la serie B, a las películas de videoclub; y con los años, éstas han sido cada vez peores (incluso ha llegado a dirigir algunas de ellas). 

Dicho esto, él es la única razón por la que acercarse a una película como “Don’t Kill It”, un híbrido entre un capítulo de “Supernatural” (el propio director citó la referencia) y películas como “Hidden: lo oculto” o “Fallen”. Una cinta de serie B sin complejos; tan casposa como, en cierto modo, divertida. Violencia, sangre, gore, algún desnudo gratuito y Dolph matando demonios. ¿Qué más se le puede pedir a un director en cuya filmografía figuran títulos como “Big Ass Spider” o “Lavalantula”?

SITGES 2016 - Día 7



“Swiss Army Man” (2016) – Dan Kwan & Daniel Scheinert

Sinopsis oficial: Tras una larga temporada aislado en una isla desierta, Hank encuentra compañía en el flatulento cadáver de un joven que el agua ha traído hasta la orilla. Poco a poco, el náufrago y el fiambre desarrollan una hermosa amistad.

Comentario: bajo capas y capas de absurdez y delirante comedia, la cinta de Dan Kwan y Daniel Scheinert esconde un  tierno corazoncito. Y eso probablemente sea lo que la convierta en una cinta inicialmente tan entrañable (la escenificación de los recuerdos y las vivencias del protagonista, la música a capela que acompaña muchos fragmentos, los simpáticos guiños cinéfilos..). Por desgracia, se trata de otro de esos casos en los que el desenlace no resulta del todo satisfactorio. Y es que la explicación final a toda la locura precedente no tiene el peso dramático que una cinta de estas características finalmente requería. La resolución, además, deja cabos sueltos, amén de resultar poco convincente - o más bien insuficiente- para justificar el relato y las desventuras del personaje principal. 

Es cierto que a medida que avanza el metraje y observamos la relación que se establece entre el protagonista y su amigo cadáver, vamos conjeturando varias teorías. Podría tratarse tan sólo de un producto de su imaginación debido a la soledad que padece, de igual modo que Tom Hanks encontraba en un simple balón la compañía que necesitaba para no volverse completamente loco en una isla desierta; podría ser, además de imaginario, un reflejo de él mismo, es decir, un desdoblamiento de su personalidad exteriorizada y “materializada” en otro ser humano (y que esté muerto sea una alegoría del estado de su alma); o simplemente podría tratarse de un cadáver al que decide dotar de vida para no sentirse tan solo. Cualquiera de las explicación es válida, pero al mismo tiempo también insuficiente. Se necesita una historia que dé mayor sustento a la teoría; un porqué que relacione debidamente el tercer personaje en discordia (la chica). Y ahí es dónde fallan los guionistas. No conectar debidamente los personajes, o no darle el peso emocional y la coherencia necesarios para rematar una historia que pedía a gritos dibujarnos una última gran sonrisa entre tímidas lágrimas.

En último término, se opta también por un cierre (última escena) en la línea hilarante del resto de la película, quizás por miedo a que un desenlace más  estándar empañe lo hilarante de la propuesta.
Quitando esto, nos queda una película con encanto pese a la insistencia algo cansina en las flatulencias del cadáver al que da vida (nunca mejor dicho) Radcliffe. Y sin duda el canto a la amistad que se extrae como mensaje final encandilará a muchos espectadores.


“Plan B” (2016) - Ufuk Genç, Michael Popescu

Sinopsis oficial: Tres expertos en artes marciales se embarcan en la búsqueda de un tesoro que les permita salvar a un amigo de las garras de un gángster sin escrúpulos. Pronto se verán inmersos en una compleja conspiración que tiene como objetivo acabar con el capo de los bajos fondos berlineses.

Comentario: el dúo formado por Genç y Popuescu nos trae una cinta de acción con la que pretenden demostrar que en Alemania también se pueden hacer cine de este tipo, es decir, lo que solemos llamar como “peli de hostias”. Y es que “Plan B” es básicamente eso. Todo adornado, eso sí, con toques de comedia propiciados por su peculiar pandilla protagonista, un puñado de perdedores que se dedican al mundo del espectáculo, y que por error acaban metidos en un embrollo entre mafiosos. En realidad, la trama es una mera excusa para llevar a los protagonistas de un punto a otro de la ciudad, y justificar así una serie de enfrentamientos en los que estos puedan lucirse exhibiendo sus dotes para las artes marciales. En ese sentido, la cinta es cumplidora, mostrando atractivas coreografías en los escenarios, en ocasiones, más insospechados (el cementerio, por ejemplo). Pero la cinta de los alemanes no sólo tira de puñetazos y patadas para ganarse al espectador, sino que también apela a nuestra nostalgia con guiños (mayormente cinéfilos) a la década de los ochenta. Sin ir más lejos, una de los personajes principales es un fan absoluto de Marion Cobretti,  de la película “Cobra” de Sylvester Stallone, y gusta de vestirse como él e imitarlo. Ni que decir que en general estas referencias están metidas con calzador y buscan forzadamente la complicidad del respetado.

De todos modos, y aunque la trama es bastante ramplona (los golpes de efecto son muy previsibles), el tono desenfadado y los simpáticos protagonistas ayudan a pasar un rato entretenido si no se le exige demasiado.



“Three” (2016) – Johnnie To

Sinopsis oficial: Durante una noche confluyen diversas historias en un hospital: un sospechoso detenido que se niega a declarar ante la policía, un hombre que afronta una operación crucial, un hombre que ha quedado malparado tras una operación, un jubilado con ganas de escapar por el hospital, etc. Una doctora es testigo y partícipe de todas estas historias.

Comentario: con los elementos de que dispone, To tendría que haber sacado de aquí un thriller intenso, de los de tener al espectador pegado a la butaca mordiéndose las uñas. Sin embargo, lo que debería ser puro suspense y tensión en el ambiente al más puro estilo De Palma (el de los 90), se convierte en un thriller sosegado en el que To parece querer demorar en exceso el avance de la trama, y retrasar todo lo posible el clímax final. El problema es más bien que el relleno con el que cuenta el guión es superfluo, y las subtramas estorban más que otra cosa. El ritmo flácido y aletargado entorpece la narrativa, por lo que parece que asistamos a una película mucho más larga de lo que en realidad es. Y lo cierto es que cuando llega el clímax, plano secuencia mediante (al loro con la fingida cámara lenta), lo que le pase a los personajes ya nos da un poco igual. Si viven o mueren es algo que nos trae sin cuidado, con lo que al final  lo único interesante es asistir a la pulcredad habitual con la que el hongkonés rueda las escenas de acción.

SITGES 2016 - Día 6



“Bed of the Dead” (2016) – Jeff Maher

Sinopsis oficial: Dos jóvenes parejas deciden acudir a un extraño lugar dónde el sexo tiene vital importancia. A punto de iniciar el juego amoroso entre ellos, se dan cuenta de que la cama donde pretenden efectuar esos gratificantes ejercicios, quiere ser la verdadera protagonista.

Comentario: Maher, hasta ahora director de fotografía de películas como “Antisocial” o “Bite”, hace su debut en la silla director con esta cinta de terror cuyo premisa bien podría valer para algún episodio de “Crypshow”, “Master of Horror” y sucedáneos. Su título ya es bastante revelador, pues la historia gira en torno a una especie de cama maldita que se convierte en una trampa mortal para todo aquel ingenuo que se posa en ella. En realidad, ni siquiera es necesario subirse o sentarse en ella para convertirse automáticamente en una de sus víctimas; con tocarla basta. Y es que al parecer, la madera con que está hecha procede, como bien nos muestra el director al comienzo de la película, de un árbol que en la antigüedad se empleaba para colgar a personas que habían cometido alguna clase de delito. Es por ese motivo que la cama es bastante caprichosa, y sólo se cepilla (ejem) a personas que sean culpables de haber hecho algo malo. 

Por supuesto, todos nuestros protagonistas, sin excepción, tendrán algún pecado oculto que les convertirá en potenciales ajusticiados de la dichosa cama, que ejercerá de verdugo con las más retorcidas, dolorosas y sanguinarias de las ejecuciones. 

Interpretaciones malas, personajes que son puro cliché y casquería barata para una olvidable (aunque medianamente entretenida) película de serie B que pasa a engrosar la lista de “películas basadas en objetos malditos”. Ya hemos comprobado con anterioridad que el Mal puede hallarse en un vehículo (el Plymouth de “Christine”), un/a inocente muñeco/a (Muñeco diabólico, Annabelle), un libro (el Libro de los Muertos de la saga “Posesión Infernal”) o incluso una cinta de vídeo (The Ring). Cualquier objeto es válido. 

P.D.: El giro de guión que juega con las líneas temporales, si bien no tiene mucho fundamento, por lo menos le confiere un puntito interesante a una trama que, hasta ese punto,s e estaba volviendo demasiado rutinaria.


“Detour” (2016) - Christopher Smith

Sinopsis oficial: Harper está convencido de que su padrastro causó el accidente que dejó a su madre en coma. Una noche de borrachera, le cuenta sus penas a Johnny, un golfo que le ofrece una solución a sus problemas: liquidar al tipo a cambio de veinte mil dólares. 

Comentario: el propio Smith estuvo presente antes de la proyección para presentarnos su película, la cuál, según sus palabras, era lo mejor que había rodado. Y no seré yo quien se lo discuta. No tanto porque “Detour” me parezca una maravilla, sino más bien porque en comparación, destaca por encima de sus anteriores trabajos, que a gusto de un servidor tampoco eran nada del otro mundo. “Black Death” no me convenció en absoluto, mientras que “Severance” no pasaba de ser una simpática comedieta de terror. Y en cuanto a “Triangle”, al comienzo resultaba realmente prometedora, pero finalmente te dabas cuenta de que el guión no tenía ni pies ni cabeza.

De todos modos, al César lo que es del César. Y es que “Detour” no sólo sobresale por  comparación, sino también por méritos propios. No es que la trama en sí resulte especialmente novedosa, pero si la forma en la que el cineasta nos la cuenta, deconstruyendo la narrativa lineal y jugando con el espectador durante buena parte del metraje. Lo que en principio parece una premisa dividida en dos posibles  líneas argumentales abocadas a un mismo destino, similar -en cierto modo- a aquellos libros de “Elige tu propia historia” en los que el lector determinaba el devenir de los acontecimientos en base a varias opciones planteadas, en realidad es algo bien distinto. Y prefiero no dar más detalles al respecto para no chafarle a nadie la película.  

Esta estructuración alterada de la narración, que algunos podrán considerar tramposa, en mi opinión no lo es. La trampa en la que cae el espectador es un truco expositivo juguetón pero carente de engaños. No considero que se falseen los hechos para que encajen luego las piezas, amén de que Smith va dando algunas pistas antes de desvelarnos el giro.