“11-11-11” (2011) - Darren Lynn Bousman

Crítica 11-11-11 2011 Darren Lynn Bousman

Quizás no hayáis oído hablar nunca de la tendencia o fenómeno del número 11:11, pero algunas personas creen verdaderamente en ello. Existen webs y artículos en Internet, e incluso libros, que hablan sobre este tema.

Según se cuenta, el citado número se le aparece a algunas personas (muchas; miles, millones, al parecer) con una frecuencia inusitada. Por la mañana al mirar el despertador, en la matrícula de un coche mientras van por calle… Este hecho insólito está relacionado, según quienes teorizan al respecto, con un grupo de 1.111 Espíritus Guardianes o Ángeles que utilizan este conjunto de cifras (entre otras como 12:12, 10:10, 12:34, 5:55… hay para todos los gustos) para, de algún modo, hacer notar su presencia. Estos Espíritus Guardianes, invisibles a nuestros ojos (faltaría más), utilizan estas señales o marcas para llamar nuestra atención y comunicarse con nosotros, dejándonos, en ocasiones, mensajes relacionados con una nueva era de “Elevación Espiritual” o, según los profetas más catastrofistas, la llegada del fin del mundo (otra vez).

¿Y cuando ocurriría tal desastre? Pues exactamente el 11 de Noviembre de 2011 (11-11-11, es decir, hoy, a fecha de publicación de esta crítica). Y bien podría ser el culpable de ello una “puerta” que permita que algo procedente de otro mundo entre en el nuestro, o bien un meteorito de esos que pululan por el espacio y que de vez en cuando pasan por nuestro lado. Pero tranquilos, que ya podemos descartar al cometa Elenin y al asteroide 2005 YU55, pues al parecer éstos no estaban destinados a mandar al garete nuestro querido planeta (por mucho que algunos insistiesen en ello).

En base a este revoltijo de numerología y creencias religiosas, Darren Lynn Bousman se ha montado su propia película –y nunca mejor dicho- y le ha calzado por título la tan temida fecha: 11-11-11.

Después de la trágica muerte de su esposa y su hijo, el famoso escritor estadounidense Joseph Crone (Timothy Gibbs) viaja desde los Estados Unidos a Barcelona, España, para reunirse con su hermano Samuel (Michael Landes) y su enfermo padre (ambos, hombres de fe), que se encuentra en estado crítico. Pero el destino tiene un plan muy concreto para Joseph, y el modo de advertirle es sucediéndose avistamientos constantes del número 11.

Pronto, la curiosidad se convierte en obsesión, y Joseph indagará hasta descubrir que este número podría tener un significado terrible…

Esta es la primera vez que Bousman lleva a cabo una película de terror de carácter sobrenatural tras ser responsable de los macabros y enfermizos juegos de Jigsaw en tres entregas de la longeva saga Saw, dirigir el curioso –aunque irregular- musical gótico “Repo! The Genetic Opera” (inédito aún en nuestro país) o la muy estimable –y también inédita- “Mother's Day” (remake de un filme de la infame factoría Troma).

Aquí nos presenta a un personaje, Joseph Crone, que tras la dolorosa pérdida de sus esposa e hijo pierde toda la fe en Dios. Este trágico suceso no sólo afecta a su vida personal sino también a la profesional, medio abandonando su carrera de afamado escritor para centrarse en escribir un diario personal en el que plasma pensamientos y sentimientos.


Su afligida existencia y su tediosa rutina se ven interrumpidas por la llamada de su hermano, quién le comunica el estado grave de su padre. Joseph lleva años alejado y desconectado de su familia, y viejos rencores se siguen palpando en el ambiente a su regreso a Barcelona (ciudad a la que se mudaron sus padres cuando él era pequeño)

Sin embargo, eso no es lo que hará incómoda la estancia de Joseph sino una serie de extraños fenómenos que tienen lugar en la casa y que están misteriosamente relacionados con el número 11/11. Es cuestión de días que Joseph averigüe lo que está ocurriendo y se dé cuenta de que 11/11/11 es algo más que una fecha, es una advertencia.

El director -y además guionista- apuesta por el socorrido enfrentamiento entre el Bien y el Mal en su forma más pura y personificada (Dios y Satán) y el habitual debate entre ateos versus creyentes. Todo esto, por supuesto, adornado con apariciones de aterradores espectros que están al acecho de los protagonistas y con individuos que se comportan de forma misteriosa y que parecen saber más de lo que cuentan.

No se puede negar que Bousman consigue crear una atmósfera ciertamente inquietante alrededor de sus personajes. En parte gracias a la presencia constante de la dichosa cifra, que nos mantiene intrigados durante buena parte del metraje (aunque las dudas sean mucho sugerentes que la propia respuesta al enigma), y en parte a los típicos clichés de siempre.
Las citadas apariciones espectrales resultan efectivas (al estilo “Insidious”) y pueden causar algún que otro buen susto en el espectador, si bien Bousman termina pecando de reiterativo, abusando del recurso en repetidas ocasiones y consiguiendo que al final nos deje un poco indiferentes tanto efectismo barato (¿los espíritus vienen acompañados siempre de tanta niebla?). Y es que un sustito a golpe de Dolby Surround puede colar una vez e incluso dos, pero más no, y es entonces cuando se corre el riesgo de agotar la paciencia del espectador mucho antes de que lleguen los créditos finales. Por no hablar de las súbitas apariciones del –supuestamente convaleciente- padre de Joseph, que uno no sabe si tomárselas en serio o en broma (se ve que al señor le gusta deambular por la casa y pegarle unos buenos sustos a su hijo mientras le suelta alguna “revelación encriptada”)


De todos modos, la mayor parte del tiempo la cinta se aguanta bastante bien, o al menos no aburre en demasía pese a que tampoco tenga mucho que contar y le sobren personajes que poco o nada tienen que aportar a la trama. Desgraciadamente, todo el interés que uno pueda ir acumulando con el paso de los minutos no termina de verse compensado luego en el desenlace, bien porque el clímax final no tiene la intensidad que se le requería, bien porque se huele el “giro” con demasiada antelación o simplemente porque la resolución del misterio en sí resulta bastante ramplona (por no decir cutre).

Así que más allá de algún que otro sobresalto y alguna escena escalofriante, la película resulta más bien olvidable. Para los que conocemos la ciudad condal supone un plus el que se haya rodado en Barcelona, pero esa ligera sensación de cercanía dura, más o menos, lo que tarda el protagonista en ir del aeropuerto a la casa familiar.

P.D.: El filme de Bousman debería haber sido uno de los estrenos de la cartelera de esta semana (¿qué mejor fecha que ésta, no?), pero al parecer aquí en España sigue pendiente de distribución, como ocurre con otras tantas películas. Cuando decidan estrenarla, si es que lo hacen, presumo que ya estará un poco “anticuada”.

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“Detrás de las paredes” (2011) - Jim Sheridan

Crítica Detrás de las paredes Dream House 2011 Jim Sheridan

Con nominaciones a los Oscar con prácticamente toda película que rodó en su Irlanda natal, y considerado todo un experto en dramas, Jim Sheridan ha contado siempre con el respaldo de la crítica y también del público. Sin embargo, desde que puso un pie (¿el izquierdo?) en Hollywood, las cosas no le están yendo tan bien. Le dio una oportunidad al rapero Curtis "50 Cent" Jackson para que debutara como actor en una película casi autobiográfica (Get Rich Or Die Tryin'), y la acogida que tuvo ésta no fue muy entusiasta. Dos años más tarde, en 2009, rodó su primer remake, Brothers, y el resultado fue un notable drama que, pese a estrenarse en Diciembre en EE.UU., acabó siendo completamente ignorado por la Academia y obteniendo tan sólo dos “tristes” nominaciones (mejor actor y mejor canción) a los Globos de Oro.

Ahora regresa a nuestras pantallas con una película, a priori, bastante alejada de lo que hemos visto hasta ahora en su filmografía.

Con la idea de poder pasar más tiempo con su familia, Will Atenton (Daniel Craig) decide dejar su exitosa carrera de editor en Nueva York para trasladarse con su mujer Libby (Rachel Weisz) y sus dos hijas a un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra. Una vez allí, descubrirá que la casa que habitan fue el escenario de un terrible asesinato. Investigando las causas de la tragedia, Will conoce a Ann Paterson (Naomi Watts), una vecina que había conocido a la familia que murió en la casa...

Una familia que se muda a un nuevo hogar; una casa en la que años atrás hubo un asesinato; sucesos extraños a medida que pasan los días… Con semejante panorama cualquiera pensaría que nos encontramos ante la típica película de fantasmas con casa encantada de por medio. Y es que así nos han vendido la película, y así nos lo transmite la misma durante buena parte de su comienzo. Sin embargo, aquí el guionista juega al despiste con el espectador durante un buen rato para, posteriormente, darle la vuelta a la tortilla con un sorpresivo -siempre que no hayas visto el destripante tráiler- golpe de efecto.

En ese preciso instante es cuando la trama empieza a cobrar verdadero significado, y el misterio gana algún que otro punto extra. Sin embargo, la falta de cohesión en algunos detalles y la indecisión o el intento por abarcar demasiados géneros termina por estropear lo que, de partida, era una buena idea (o cuanto menos, interesante).



Mientras se trata de darle una vuelta de tuerca a una historia que en principio parece trillada, se acaba sucumbiendo a otro tipo de clichés, convirtiéndose finalmente en una “película modelo” del subgénero psicológico. Y sólo con citar a otras producciones similares como SPOILER—Identidad, El corazón del ángel, o las más recientes Shutter Island y The Ward –FIN SPOILER, uno sabe de sobras por dónde van los tiros, e incluso se podría atrever a deducir el final de la historia.

Por tanto, la cosa empieza a resultarnos un tanto previsible, pero ese no es su (mayor) problema. Su principal error es no haber sabido finiquitar la incógnita que nos plantea. El desenlace, forzado y precipitado, desluce los logros en suspense e incertidumbre conseguidos anteriormente. Los personajes están bien establecidos, pero se dejan algunos detalles en el aire (SPOILER-- se intuye por ahí una infidelidad que atañe a los personajes de Craig y Watts, pero luego no llega a concretarse –FIN SPOILER) y otros directamente se meten con calzador.

Y ya la puntilla de todo es un breve desliz hacia un género del que parecía en un principio querer huir y que termina dejando la película en tierra de nadie (SPOILER— que el espíritu de la mujer le eche una mano al marido cuando el malo malísimo le está disparando rompe con las bases psicológicas anteriormente establecidas –FIN SPOILER)



“Detrás de las paredes” (absurda retitulación made in Spain, dicho sea de paso) funciona medianamente bien en su faceta intriga, y logra apañárselas para embaucar al espectador sin que éste se sienta demasiado estafado aún con las trampas características de este tipo de propuestas, pero en su último tramo pierde un poco los papeles, flirteando torpemente con la mezcla de géneros o la ambigüedad misma de la propuesta, y resolviendo la trama de manera atropellada y facilona.

Es evidente que estamos ante un producto absolutamente alimenticio por parte de Sheridan, quién, por otro lado, quiso desentenderse del resultado final tras las continuas desavenencias con los productores durante la escritura y producción de la película. Y es una lástima que en medio de todo esto haya un señor reparto que, desde luego, merecía algo mejor con lo que dejarse ver en pantalla.

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“Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” (2011) - Steven Spielberg

Critica Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio 2011 Steven Spielberg

Traducidas a más de 70 idiomas, Las aventuras de Tintín escritas e ilustradas por el belga Georges Remi (bajo el seudónimo de Hergé) son todo un referente de la historieta del siglo XX. Su protagonista, un intrépido reportero de curioso tupé llamado Tintín, ha vivido emocionantes aventuras por todo el mundo a lo largo de 24 álbumes, de los cuales se han vendido más de 250 millones de copias. No es extraño, pues, que dada su popularidad, el personaje hiciera el salto de las viñetas al celuloide; primero con una poco conocida cinta animada en stop-motion, luego en una producción franco-belga (que llegó a tener secuela) con actores de carne y hueso encarnando a los famosos personajes de Hergé, y finalmente con películas y series animadas para el mercado doméstico. Probablemente estas últimas adaptaciones sean las que más aceptación han tenido entre los tintinófilos, si bien parecía que a Tintín le hacía falta aún una gran superproducción en cartelera que lograra llegar no sólo al adepto sino también al espectador ajeno a la obra del artista belga. Y ese momento por fin ha llegado con “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio“.

El curioso e insaciable joven periodista Tintín (Jamie Bell) y su leal perro Milú descubren, por casualidad, un centenario misterio escondido en la maqueta de un barco bautizado como “El Unicornio”. Intrigado por semejante hallazgo, Tintín se embarca en una minuciosa investigación que le sitúa en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine (Daniel Craig), un hombre avaricioso y sin escrúpulos que anda tras un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo.
Con la ayuda de su perro Milú, el mordaz y cascarrabias capitán Haddock (Andy Serkis) y los torpes detectives Hernández y Fernández (Simon Pegg y Nick Frost), Tintín viajará por medio mundo procurando ir un paso por delante de sus enemigos en una incesante persecución para hallar el lugar donde finalmente descansa “El Unicornio”, un navío hundido que puede contener la clave de una cuantiosa fortuna...

Treinta años han pasado desde que Steven Spielberg descubriera por primera vez la obra de Hergé y se convirtiera, desde ese instante, en un apasionado de las aventuras del joven Tintín. En este tiempo, el director ha adquirido, perdido y vuelto a adquirir los derechos sobre el personaje, y tras alguna que otra intentona frustrada, por fin ha conseguido llevarlo a la gran pantalla.

Esta película, primera de una ambiciosa trilogía a dos manos entre Spielberg y Peter Jackson, reúne y unifica las historias de “El Cangrejo de las Pinzas de Oro”, “El Secreto del Unicornio” y “El tesoro de Rackham el Rojo” escritas por Hergé.

Todo empieza con la compra de una maqueta de un barco que, al parecer, oculta un misterioso secreto en su interior. La maqueta, en posesión de Tintín, es pretendida por Sakharine, buen conocedor de que en ella se encuentra una de las tres claves que necesita para localizar un valioso tesoro que se halla bajo el mar. El encuentro entre ambos propiciará que el joven periodista conozca al capitán Haddock, capturado por Sakharine para sus pérfidos fines. Con tal de hallar las claves para averiguar la localización del tesoro y con ello desbaratar los planes de su temible adversario, nuestros tres protagonistas -Tintín, Haddock y el inteligente Milú- se verán inmersos en un viaje repleto de obstáculos que superar y enemigos que batir.


Desde sus espléndidos créditos iniciales (todo un historial tintinesco) hasta su último plano, la película hace alarde de una imaginación y una inventiva visual increíbles. La presentación de nuestro protagonista brilla por su concisa y explicativa sencillez, mostrándonos recortes de periódico con los que se nos da a entender que se trata de un reportero experimentado en situaciones de todo tipo; un joven que no tiene miedo a asumir riesgos con el fin de resolver misterios y lograr un buen artículo. Y si se tercia, impartir también algo de justicia.

Las transiciones de unas escenas a otras destacan por su original tratamiento y las secuencias de acción cuentan con una elaboradísima planificación endiabladamente frenética y alocada. Y es que Spielberg ha sabido aprovechar las herramientas que le permite el campo de la animación para manejar con inmaculada precisión toda la puesta en escena. La concepción de los planos y la escenografía, las virtuosas coreografías en la acción, el manejo de un ritmo agitado pero sin apabullar… Todo meticulosamente estudiado y al servicio de una historia repleta de misterio y humor, mucho humor.

Y es que la animación parece ser el formato más adecuado para el concepto de disparatada aventura que el director maneja en esta película. Lo que vemos en pantalla (personajes, gags, acción…) se mueve dentro de los parámetros del slapstick, siendo todo muy caricaturesco (precisamente lo que requería dicho personaje). Quizás eso no exigiera que se empleara la motion capture, pues bien podría haber servido la animación CGI habitual, pero hay que reconocer que la calidad visual que ostenta es uno de sus mayores atractivos.

La técnica, ya empleada con tibios resultados por Robert Zemeckis en sus últimos largometrajes, sigue mostrándose un tanto defectuosa -o mejorable, si se prefiere- en lo que a expresividad de los personajes se refiere. Aún observándose una mejoría respecto a sus predecesores, los rostros siguen sin resultar del todo convincentes. Las texturas tienen un acabado impecable, pero el movimiento sigue antojándoseme ortopédico. Incluso la gestualidad y movimientos del cuerpo tiene sus más y sus menos (a ratos son más naturales y a ratos no tanto). De todas formas, juega a su favor que el diseño de personajes mantenga, precisamente, la caricaturización de las viñetas, funcionando mejor la expresividad cuanto más exagerados son los rasgos faciales. Es por ese motivo que, a nivel expresivo, Haddock convence mucho más que Tintín, éste último de facciones más suaves y realistas.

Hablando precisamente de estos dos personajes, sobra decir que forman una pareja aventurera perfecta a pesar de sus dispares caracteres. La torpeza de uno (el lobo de mar de Haddock) es compensada por la astucia del otro (el habilidoso y locuaz Tintín). Juntos protagonizan uno de los tramos más trepidantes e hiperbólicos de la película a bordo de un sidecar, lo cual nos lleva irremediablemente a acordarnos de Henry Jones Jr. y padre en “Indiana Jones y la última cruzada” (sabréis de sobra a qué secuencia me refiero). Por otro lado, Haddock nos obsequia con su momento de gloria al rememorar -flashback mediante- una antigua hazaña de un antepasado en un vibrante abordaje pirata.


Por obra y gracia de la motion capture y del trabajo de todo un especialista en este campo, Andy Serkis, el bueno –y borrachín- del capitán (que a servidor le recuerda más a Harrison Ford, sobre todo al de “Seis días y siete noches”) termina robándole cierto protagonismo al reportero gracias a sus graciosas y a veces disparatadas intervenciones. Claro que para robaescenas ahí está también el pequeño Milú, un can tan espabilado que deviene en un inestimable compañero de fatigas.

Según pensaba el propio Hergé, Spielberg era el único director capacitado para hacer una película basada en su trabajo. Y tenía razón.

Un neófito tal como un servidor es incapaz de percibir la multitud de referencias al universo Hergé que de buen seguro el aficionado captará al instante, y quizás por ello el director nos deja algún que otro (auto)guiño cinéfilo (véase “Tiburón”) para nuestro regocijo.

De cualquier modo, “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio” es una disfrutable cinta de animación que hará las delicias de los fans de Tintín y contentará también al que busque buen cine de aventuras. Sus casi dos horas se hacen cortísimas, lo cual es un buen síntoma para acoger con los brazos abiertos sus futuras secuelas, siempre y cuando la taquilla responda. Y si lo hace, sé de uno (un tal Zemeckis…) que se va a dar de cabezazos contra la pared.

P.D.1: La loable banda sonora del gran John Willams se contagia de ese tono humorístico de la película, componiendo una partitura muy risueña y jazzística (amén de afrancesada, si se me permite la obviedad, dada la naturaleza franco-belga del personaje). Además ofrece las consabidas aportaciones orquestales enérgicas que acompañan los momentos más trepidantes. Se echa en falta, no obstante, un leitmotiv que quede grabado en la memoria.

P.D.2: Como sé que me lo vais a preguntar… Decir que el 3D se emplea para otorgar profundidad y poco más. Por tanto, no molesta (que ya es mucho) pero tampoco aporta un plus indispensable al visionado de la película. Los que gusten de ponerse las dichosas gafitas no se sentirán estafados (a menos que esperen un efecto estereoscópico espectacular), y el resto podrá disfrutarla de igual manera en 2D.

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“La cosa (The Thing)” (2011) - Matthijs van Heijningen Jr.

critica La cosa The Thing 2011 Matthijs van Heijningen Jr.

En 1982, el maestro de la serie B John Carpenter rodó la que sería su obra magna, “La cosa” (The Thing), remake del clásico de la ciencia-ficción de los años 50 “El enigma de otro mundo” (The Thing from Another World), dirigido por Christian Nyby (bajo la atenta supervisión de Howard Hawks) y basado en un relato corto del escritor estadounidense John W. Campbell.

Aunque en su momento no fue un éxito comercial (más bien todo lo contrario), el paso del tiempo hizo justicia y colocó a “La Cosa” en un puesto de honor, convirtiéndose así en toda una pieza de culto para el aficionado al horror.

Otorgándole nuevamente el protagonismo a Kurt Russell (desde ese instante, su actor fetiche) y contando con unos medios más holgados que de costumbre (podría considerarse ésta su primera incursión en la “serie A”), Carpenter abordó el proyecto tanto como una versión moderna del filme original como una aproximación más fiel y perturbadora de la novela de Campbell. Y el resultado fue, sin lugar a dudas, una de las mejores monster-movies de la historia del cine.

Ahora, casi treinta años después, nos encontramos con que uno de los estrenos de la cartelera actual es una nueva película en forma de precuela.

La paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) viaja a una remota zona de la Antártida para colaborar con un equipo científico noruego que ha encontrado accidentalmente una nave extraterrestre enterrada en el hielo, y en cuyo interior viajaba un organismo que parece haber muerto en la colisión hace miles de años.

Lo que en un principio supone un descubrimiento de gran relevancia científica no tarda en convertirse en un problema de supervivencia cuando el alienígena despierta de su letargo…

Con el anuncio del proyecto, ostentando sin reparos el mismo título que su predecesora, y posteriormente con las imágenes y los distintos trailers, se intuía que a pese a ser concebida como una precuela, la película sería más bien un remake encubierto del filme de Carpenter. Y una vez vista, esa sensación queda más o menos plasmada, aún con ciertas reservas.

Esta “The Thing” nos cuenta los acontecimientos anteriores a lo que vimos en la cinta de 1982, situándose así en el campamento noruego en el que despierta y ataca el monstruo por primera vez antes de vérselas con el grupo americano constituido por MacReady (Russell) y cía. Por tanto, y siendo los noruegos los descubridores de tal hallazgo, tenemos la oportunidad de ver por primera vez el aspecto inicial (quién sabe si el suyo propio o una imitación de un ser de otro planeta) del alienígena y contemplar con mayor detalle -incluso el interior- de la nave espacial con la que llegó a la Tierra. Y eso vendría a ser básicamente la única aportación de esta precuela, pues al fin y al cabo, de la criatura sabemos tanto como con la anterior versión.

No estamos ante una precuela que ofrezca algún tipo de información o dato novedoso respecto a lo ya visto en el remake, y ni tan siquiera se intuye intención alguna de querer ser una propuesta fresca abordada desde una perspectiva diferente a la de Carpenter. Por tanto, lo que hace el guionista es limitarse a repetir una misma fórmula que, a día de hoy, ya ha sido vista numerosas veces en otras películas con monstruos depredadores. La trama sigue un patrón ya definido, con un poco de misterio y suspense al inicio, y que solamente intrigará al espectador que desconozca por completo las anteriores películas; y luego un ataque tras otro, con la criatura acechando y/o aniquilando una a una a sus víctimas hasta la llegada del enfrentamiento final con el personaje erigido héroe de la función. A esto último, decir que esta vez quién asume ese rol – el que interpretó Russell- es un personaje femenino, la paleontóloga Kate Lloyd. Bien acompañada, eso sí, por un buen mozo (americano también) como el que interpreta Joel Edgerton.



Esto y algún que otro agradecido cambio en algunos detalles concretos (la medida para descubrir al alienígena ya no consiste en analizar una muestra de sangre) es de lo poco “original” que nos encontraremos aquí. Quizás por ese motivo la existencia de esta precuela se sienta tan innecesaria, pues realmente no aporta nada a “La Cosa” original que la justifique. Sus responsables han optado simplemente por contar el cómo del resultado de lo que vimos 29 años atrás, y en ese sentido, podemos decir al menos que la coherencia entre ambas películas está muy cuidada.

No estamos hablando de guiños o referencias puntuales como en el caso de otra precuela reciente, “El origen del planeta de los simios”, sino que desde el guión y la puesta en escena existe una atención especial por conectar sin fisuras una película con la otra. Ejemplos de ello serían el propio campamento noruego, que se asemeja bastante a los restos calcinados que vimos en la ochentera, sobre todo en lo que respecta a la sala en la que reposa el alienígena. Luego hay detalles muy concretos como SPOILER-- el suicidio de uno de los noruegos y cuyo cadáver encontrarán luego MacReady y el Dr. Copper en su visita al campamento --FIN SPOILER; el hacha clavada en la pared, los restos de uno de los infectados que luego serán analizados en el campamento americano (aquí se nos muestra cómo llega a producirse tal monstruosidad) o los intentos por contactar con la Estación McMurdo. Y por supuesto, está el desenlace de la película, que no es más que el punto de partida para el comienzo de la otra.

Aunque lo que veamos sea un más de lo mismo sin sorpresas, hay que reconocer que funciona dentro de los parámetros del subgénero monster-movie en el que se inscribe.


La dirección del debutante Matthijs van Heijningen Jr. carece de personalidad pero es, cuanto menos, funcional. Desde la perspectiva del mero entretenimiento, su labor no puede ser criticable, si bien es innegable que el resultado final, a nivel terrorífico, palidece frente a lo hecho por Carpenter. Aunque no queramos, las comparaciones son, además de odiosas, inevitables (sus propios responsables nos obligan a ello), y la inquietud y la aguda paranoia que respiraba la ochentera aquí no emerge con la misma intensidad ni la misma capacidad de sugestión en el espectador. A nivel de acción, en cambio, resulta muy competente, ofreciendo llamativas secuencias que tienen en los notables efectos digitales (en sustitución del magistral trabajo artesanal de Rob Bottin) su mayor aliado. La criatura adopta formas imposibles y verdaderamente escalofriantes, como ya vimos en manos de Bottin, si bien aquí el uso del ordenador permite ampliar sus posibilidades tanto en transformaciones como en movilidad (especialmente en los ataques). Se puede preferir unos efectos u otros, pero cada técnica es hija de su tiempo, y aquí el resultado cumple con las exigencias del espectador actual.

La gélida y siniestra banda sonora de Marco Beltrami es también un buen complemento. Contiene algún que otro eco al trabajo de Morricone, pero sin aplicar la repetición de un leitmotiv en concreto.

Las interpretaciones son correctas dentro de lo que se les exige, y tampoco pueden ir a más allá si tenemos en cuenta que aquí los personajes, salvo los interpretados por Ulrich Thomsen y Mary Elizabeth Winstead, no están tan definidos como pudieran estarlo MacReady, Blair, Childs o Garry (un grupito, el americano, algo más heterogéneo en cuanto a personalidad)

Como entretenimiento y película de monstruos que es, “La cosa” es de lo más efectiva. Entretiene y ofrece las suficientes dosis de terror, acción y violencia para contentar al aficionado (bendita sea la clasifición R que luce con orgullo pero sin abusar). Como precuela, podemos darnos con un canto en los dientes porque nos encontramos con un producto digno y respetuoso con el clásico de Carpenter. Y eso, amigos, ya es mucho decir.

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“Intruders” (2011) - Juan Carlos Fresnadillo

critica Intruders 2011 Juan Carlos Fresnadillo

Desde que en 2007 nos sorprendiera con la estupenda “28 semanas después” (película con la que muchos le descubrimos, y una de esas pocas secuelas que pueden medirse de igual a igual con su predecesora original), hemos estado esperando el siguiente proyecto del tinerfeño Juan Carlos Fresnadillo. Sin embargo, su regreso a la gran pantalla se ha hecho de rogar más de lo esperado. De hecho, después de rodar la citada secuela del filme de Boyle, la mayoría pensamos que las puertas de Hollywood se le abrirían de par en par, y aunque en cierto modo así ocurrió, el director tuvo la desdicha de que esas puertas se le abrieron con la misma rapidez con la que se le cerraron. Durante estos últimos años, su nombre se ido vinculando a diversos proyectos que finalmente no han terminado de salir adelante; de entre ellos, el más deseado ha sido la adaptación del videojuego “Bioshock”, ambicioso proyecto palomitero que sigue a la deriva y sin visos a hacerse realidad en un futuro cercano.

Como ocurre con el salto de muchos europeos a Hollywood, a Fresnadillo también le han requerido para hacerse cargo de remakes de películas como “El hombre con rayos X en los ojos” de Roger Corman, “El Cuervo” de Alex Proyas (que no tiene ni veinte años de “antigüedad”) o “Los Inmortales” de Russell Mulcahy. Precisamente ésta última parece postularse firmemente como su primera película enteramente yanqui. De todas formas, Fresnadillo no ha perdido el tiempo y entre tanto ha rodado la presente “Intruders”, una co-producción España-EEUU-Reino Unido.


Juan (Izán Corchero) y Mia (Ella Purnell), dos niños que viven en países diferentes (España e Inglaterra), reciben cada noche la visita de un intruso sin rostro, un ser aterrador que quiere apoderarse de ellos.

Las presencias se van haciendo más poderosas y comienzan a dominar sus vidas y las de sus familias. La inquietud y la tensión crecen cuando sus padres también son testigos de estas apariciones.


La historia comienza de forma prometedora, con una presentación en la que ya resulta palpable el ambiente desasosegante e intrigante que va a caracterizar algunas de las secuencias más destacables de la película (no así toda la película). En esos primeros minutos somos testigos de lo reales que puedan llegar a ser las pesadillas de un niño, por lo que no tardamos mucho en presenciar la extraña y tenebrosa figura que aterroriza a Juan y a Mia; ese intruso apodado “Carahueca” que nos irá acompañando a lo largo del metraje.

Estos dos niños viven atemorizados sin que ellos ni sus progenitores sepan exactamente qué les está sucediendo (si sus pesadillas son meras alucinaciones o si se trata de un horror real y palpable) y por qué. Y precisamente en el “por qué” está la razón de ser de la película. Claro que antes de llegar a conocer esa respuesta los guionistas nos tienen preparado un camino lleno de incógnitas que deberemos ir resolviendo con las pocas y muy sutiles pistas que nos irán dejando.


El desarrollo de la trama se resiente, en parte, al quedar dividida en dos mitades, es decir, en tener que seguir a Mia y a Juan de forma paralela sin aparente conexión entre ellos. Cuando uno empieza a atar cabos y ve la relación que existe entre las dos historias, esa división se nos antoja totalmente lícita, pero eso no nos quita la sensación de que nos están contando lo mismo por duplicado y de que por ello la película no termine de arrancar nunca, pareciendo así que se está dejando todo el peso de la misma para la resolución final del misterio (el ya típico giro final sorpresa que, se supone, nos tiene que dejar con la boca abierta y la sensación a haber presenciado un peliculón). Además, los recursos de los que dispone Fresnadillo parecen limitarse a las apariciones grotescas del “fantasmal” intruso, y lo que en un principio resulta de lo más sugerente, al final acaba cansando un poco por su reiterado abuso.

El desarrollo y el ritmo se tornan monocordes y fatigosos, lo que termina provocando un inevitable sopor en el espectador.

Peor es que una vez descubierto el origen del misterio, éste resulte un tanto ramplón, y deje en el aire algunos aspectos que carecen de justificación. Es por ello que uno se pregunta si tanta parafernalia era necesaria teniendo una explicación tan simplona que la sustentara. Y es que la mezcla de terror psicológico y terror sobrenatural no termina de cuajar ni enganchar, y nos damos cuenta que prácticamente todo lo que hemos visto no ha sido más que efectismos mayormente gratuitos. Aunque por gratuitos, personajes como el sacerdote interpretado por Daniel Brühl, que poco o nada aporta a la trama (aunque su razón de ser respondería a la mentalidad tradicional de la época). Por contra, el talento de Carice van Houten queda desaprovechado al quedar su personaje bastante desligado del avance de la trama (aunque eso no quita que el director nos brinde una escena en la que holandesa aparece tal como su madre la trajo al mundo)


A nivel técnico y visual, eso sí, no se le puede reprochar nada. Los efectos digitales tienden a aparecer siempre en escenas oscuras o con poca luz, con lo que a primera vista no se advierten grandes defectos y cumplen sobradamente con su cometido, especialmente el de dar vida a “Carahueca” (que recuerda un poco al brutal asesino de “Agárrame esos fantasmas/The Frighteners” de Peter Jackson). Precisamente, al transcurrir buena parte de la historia en escenas nocturnas, resulta imposible no destacar la excelente labor de fotografía de Enrique Chediak, que ya trabajó con Fresnadillo en “28 semanas después”.

Curiosos, más que funcionales, resultan algunos planos (especialmente aéreos) en los que se utiliza un filtro especial (tilt and shift) para mostrar la escena desde el punto de vista de “Carahueca”, lo que otorga a la secuencia el llamado “efecto maqueta” (de hecho, servidor llegó a pensar que se trataba de maquetas y no de localizaciones reales).

En “Intruders”, Fresnadillo ha apostado por rodar una película a lo “Shyamalan” (el hindú es el referente más evidente y cercano en el tiempo), y el resultado ni convence ni entretiene, por muy buena factura que tenga o por logradas que sean algunas de las escenas de tensión y suspense. Pero no desesperemos porque el canario ya ha demostrado ser un buen director cuando se apoya en un buen guión, así que esperemos que tarde o temprano nos compense por este pequeño tropiezo.

Valoración personal:

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Pliskeen en Sitges 2011

Pliskeen en Sitges 2011

Tal como anuncia el título del post, servidor volverá (tras estrenarme el año pasado) a la ciudad barcelonesa de Sitges para acudir al 44 Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges que empieza este jueves 6 de octubre y finaliza el día 16. En total serán diez días plagados de proyecciones, ruedas de prensa y diversas actividades relacionadas con el séptimo arte más fantástico (léase esto en ambos sentidos de la palabra). Diez días en los que no pararé de ver películas… y escribir sobre ellas, claro está.

Este año, sin embargo, no cubriré el festival para mis compañeros de TBDC – Tu Blog De Cine (ojalá pudiera clonarme para la ocasión, como Michael Keaton en “Mis dobles, mi mujer y yo”), sino que mis servicios han sido requeridos por Scifiworld, magazine con el que colaboro desde hace un tiempo. Así pues, en esta edición formaré parte de su equipo, siendo mi función principal encargarme de ver películas y de reseñarlas para la web.

Además de ser una gran oportunidad el poder trabajar con y para ellos, tendré ocasión de alojarme en la ciudad para poder realizar una cobertura mucho más amplia y cómoda del festival. Debido a esto, sin embargo, me va a ser imposible actualizar Amazing Movies con nuevos contenidos festivaleros, por lo que trataré, en la medida de lo posible (no dispongo de internet en el móvil), ir comentando mi estancia y mis impresiones a través de Twitter. Para ello utilizaré el hastag #PliskeenSitges2011.

Los compañeros de Scifiworld harán lo mismo, así que podréis seguirnos también por el hastag #SFWenSITGES, además de tener toda la información en la página web oficial, dónde irán colgándose todas nuestras críticas.

Para que Amazing Movies no se quede “abandonada” durante tantos días, voy a intentar dejar preparada la crítica de “Intruders”, una de las películas presentes en el festival y que ya he tenido oportunidad de ver en pase de prensa. Y dado que se estrena este viernes en nuestras salas, procuraré colgarla este mismo fin de semana para que tengáis mi opinión y podáis comentarla.

Y esto es todo, estimados lectores. A algunos seguramente os veré en el festival; al resto espero que me/nos sigáis en Scifiworld y en Twitter durante estos diez días.

Saludos! Tweet